La Papeleria
c/ 12 San Mateo
28004 Madrid, Espana
La programación 2022-2023 de La Papeleria gira alrededor de una propuesta curatorial centrada en metodologías procesuales site-specific y propone visibilizar la creación de aquellos artistas que se apoyan en una constante renovación de su proceso. Así, se promueven trabajos menos orientados hacia la objetualidad de la obra sino a los que producen imágenes con el espacio mismo.
Hemos invitado a cada artista a apropiarse del lugar para que se produzcan los cambios arquitectónicos, estéticos y físicos necesarios para generar una sinergia entre el espacio expositivo y la continuación de cada proceso artístico.
En el espacio de exposición dialogan así diferentes imaginarios de cómo se puede entender el arte contemporáneo. Cada visión es mediada por acercamientos a diferentes permanencias, y consecuentes huellas, de cada uno de los artistas.
La Papeleria está ubicada en Calle San Mateo 12, dirigido por la artista Maureen Muse y el curador Andrea Fontana.
Es posible programar visitas con cita previa:
![]()
“1ndustrias”
Rosario Aninat
14.09.23-28.10.23
Rosario Aninat (1993, Chile) vive y trabaja en Alemania. Se graduó en Städelschule en 2021 como parte de la clase de Willem de Rooij. Trabaja combinando escultura e instalación y tiene una práctica independiente de colaboración con el artista Simon Shim Sutcliffe. Su práctica es el resultado de la minuciosa observación de las cualidades escultóricas potenciales y de las transformaciones de los materiales producidos en serie.
Sus obras se han exhibido en exposiciones individuales y duo: Under it still, L187, Offenbach (2020); And Amasia (con Shim Sutcliffe), Jo-Anne, Frankfurt (2021); remains, Kastanien Projektraum, Berlín (2021); Bones (con Shim Sutcliffe), fffriedrich, Frankfurt (2021); Come Hell or High Water (con Shim Sutcliffe), Mutter, Ámsterdam (2022), Underbelly (con Shim Sutcliffe), etta, Dusseldorf. Y en exposiciones colectivas: The Whistle, Schaumankai 69, Fráncfort (2021); Of Second Glances, Magma Maria, Offenbach (2022); Sweet Machine, Spoiler, Berlín (2022); 5 more minutes, Saasfee Pavillon, Frankfurt (2022); Urban Odyssées, Fondation Fiminco, Romainville (2023).
"Les émotions populaires"
Antoine Nessi
16.06.23-21.07.23
…Parce que, la République Française est necesaire, vital et juste…
Emmanuel Macron
Las barreras de seguridad enmarcan la imágen de un sector político bordado de flores conmemorativas, imagen que se produce acentuada por la forzosa desaparición de lo público, de su público. Las palabras del presidente de la República Francesa se dirigen a la vacuidad intrínseca de las imágenes que la Democracia propone de sí misma. El espacio público se cierra en la ceguera histórica de las necesidades políticas y de su representación.
Estamos frente a una tautología colapsando sobre sí misma: se protegen esos espacios públicos cuya imagen de resistencia no es más que un fantasma caricaturizado. Allí donde el poder político solamente viste un imaginario visible hacia fuera, donde la calle ya no sirve para bloquear flujos de poder y su ubicuidad asfixiante, allí el poder se esconde tras una máscara de sí misma.
En esta nueva instalación realizada por Antoine Nessi, esa vacuidad intrínseca de las imágenes que la Democracia produce de sí misma, se presenta por antonimia. Los restos de la presencia pública retoman un espíritu a la vez siniestro y cómico con sus rasgos modernizados, sistematizados. Les émotions populaires, un discontinuo que presenta el movimiento y el sonido de los disturbios con máscaras privadas de emoción y de identidad. Antoine responde con macabra ironía a la que es, a todos los efectos, la privatización de una institución que extiende su alcance sobre el vacío.
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
ocho de mayo
materiales mixtos. barrera de metal y ceramica
2023
![]()
mascara sin titulo
ceramica
1/5
2023
![]()
les émotions populaires grabando sobre papel
40x30 cm
1/1
2023
![]()
![]()
![]()
![]()
le peuple des barrières
acero
2023
Studio Croma
Margot Kalach, Santiago Gómez, Ángela Leyva
18.05.23-04.06.23
Croma en La Papeleria presenta un tipo de apuesta diferente de las exposiciones que previamente han ocupado el espacio.
Se han invitado los artistas Margot Kalach, Santiago Gómez y Ángela Leyva –co-directores de Studio Croma en Ciudad de México– a trasladar sus prácticas individuales en La Papeleria.
Studio Croma mezcla el espacio expositivo con la práctica de estudio, proponiendo un modelo híbrido de espacio-trabajo.
La exposición es resultado de varios meses de conversación y diálogo sobre cómo llevar un espacio, sus complejidades desde una perspectiva precaria, cómo fomentar exper-imentación y cómo apoyarse mutuamente.
Los tres artistas han producido parte de lo que ahora habita el espacio en sus estudios en México para luego desarrollar un trabajo de recontextualización y una presentación fuertemente in!uenciada por las limitaciones que el espacio físico conlleva.
La apuesta de La Papeleria es que los artistas trabajen en ritmos y en conexión con el espacio, permitiendo que el trabajo, y la imágen, de las exposiciones anteriores se in"ltre en las actuales y así haciendo extendiendo su procesualidad al espacio mismo.
Es por lo tanto que nos alegramos de que el espacio haya llevado a los tres artistas a pre-sentar sus obras bajo formatos con los cuales antes no habían jugado, aprovechando la imagen que les preexiste para renovarse.
Margot Kalach (Ciudad de México,1992)Vive y trabaja en la Ciudad de México es licenciada en fotografía, egresada de Bard College (2016). Cursó el Programa académico SOMA México (2017-2019). Fue recipiente de la beca FONCA Jóvenes Creadores (2019) y residente en Casa Wabi (2021). Cuenta con una participación amplia en exposiciones colectivas, así como tres exposiciones individuales: 08J3C71V17Y (Bard NY, 2016), El Sueño de la Piedra (Ex Convento Tepoztlán, 2021) y Reverberaciones (Cordoba Lab, Oaxaca, 2022). Ha participado en ferias como La Feria del Millón 2019 (Bogotá, Colombia) y PhotoLondon 2023 (Londres, Reino Unido).
Santiago Gómez (Bogotá, 1992) Vive y trabaja en la Ciudad de Méxicoes un artista e investigador con sede en la Ciudad de México. Es egresado de la Academia Superior de Artes de Bogotá (2016), formó parte de la generación 2019 del programa educativo SOMA (MX.) y de la Maestría en Artes Visuales de la UNAM (2020). Desde 2018 ha participado en ferias como la Feria del Millón (Col.) FAMA (Mty.) y Fain (CDMX). Ha participado en residencias como Zona 6 (2018, Mx.), Cobertizo (2019, Edo. Mx.) y Residencia Art Project (2021). Ha sido ganador de la convocatoria “Ensayos Transmediales” del colectivo Toda La Teoría del Universo (Cl.) y seleccionado en la edición N.18 de la Revista Terremoto (Mx.). Cuenta exposiciones individuales (CDMX.), así como diferentes exposiciones colectivas (Colombia, México, Grecia, Italia y España).
Ángela Leyva ( CDMX, 1987), Vive y trabaja en la Ciudad de México, donde cursó la licenciatura en Artes Plásticas y Visuales, en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Formó parte de la generación 2019 en el Programa Educativo SOMA. Realizó la Maestría en Artes Visuales (2019-2021), en la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM); y desde 2021 cursa el Doctorado en Artes Visuales, en la misma institución.
Plano temporal, 2023Tejido de papel (papel intervenido con óxido de acero, imanes)Dimensiones: variables Margot Kalach Plano temporal, 2023Tejido de papel (papel intervenido con óxido de acero, imanes)Dimensiones: variablesMargot Kalach GAN V, 2023 Óleo sobre lino y barniz de cera 30x30cm Marco de acrílico transparente GAN VI, 2023Óleo sobre lino y barniz de cera30x30cm Marco de acrílico transparente Ángela Leyva Ensamblaje de Mundos Hidratados por el Hype, 2023ensamblaje instalativo (posters, alucobond, manguera, agua y tinte fluorecente)Dimensiones: variables Santiago Gómez GANs In Vitro II, 2023 instalación Óleo sobre lino y barniz de cera, pecera de acrílico, luz neón y líquido 2 óleos de 1x1m Ángela Leyva
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
Interpolation #2, 2022
GAN lenticular
25x31cm
marco de acrílico transparente
Ángela Leyva
fotos por Maru Serrano
vendehúmos
Rubén Ojeda Guzmán
13.04.23- 29.04.23
Nota: aquí (no) se vende humo.
Rubén Ojeda Guzmán captura lo efímero con una serie de piezas que intercalan los hitos de su producción artística. A lo largo de su trayectoria, Rubén ha cuestionado sus entornos tanto sociales como políticos y culturales, y su propia relación con ellos. A través de un humor que resignifica la discursividad contemporánea –memes, carnavales, luminarias– Ojeda nos pone frente a una serie de trazas.
Trazas del fuego y sus explosiones, trazas de pasajes de sujetos y objetos cuya presencia ya no es bienvenida. Ojeda toma su perspectiva desde la vulnerabilidad, la quema, y nos la presta para hacer de ella lo que uno más quiera. Aquí, el chiste se vuelve política.
Ojeda remite a sus orígenes por los materiales que emplea, como la pólvora y lo quemado, volviendo a la raíz de la creación y enseñándonosla. Este artista abstrae su propia otredad y confía en su destrucción para replantearnos los sistemaspolítico-jurídicos (y lúdicos) de la producción artística. Asimismo, lo que tendría que ser el fin, contraataca y se reverbera desde atrás, defendiendo su omnipresencia pero especialmente, su necesidad. Y propulsa un proceso vivo y en constante riesgo.
Rubén Ojeda Guzmán (Oaxaca, México, 1991) es un artista conceptual mexicano afincado en Madrid que emplea diferentes medios como la instalación, la pintura y la escritura. En el centro de su obra se encuentra la noción del arte como campo de batalla hacia una inscripción histórica. Realizó el Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía (2022) y la licenciatura en Artes Plásticas por la UDLAP en México (2014). Ha realizado exposiciones individuales en México, Suiza y España. Fue artista residente en air-Montreux, Suiza en 2020 y obtuvo la beca de Jóvenes Creadores del FONCA en 2014. También obtuvo el Premio de la Salón de Arte Universitario IMACP en 2015 y el premio Sala Joven del Museo de los Pintores Oaxaqueños en 2012. Su trabajo se ha expuesto colectivamente en México, Suecia, Brasil, Noruega, Estados Unidos, Suiza, Inglaterra y España ha sido reseñada en Frieze, Chambre Fluide, Iberoamérica Social, Torpedo, Farhenehit, Milenio y lo catálogos Piel. 33 artistas contemporáneos y +50 artistas contemporáneos en Oaxaca.
Spoiler Alert Cinta de ignición quemada sobre el espacio 2023 Good News Humo sobre papel 38 piezas de 70 x 50 cm 2023 Excess of peace Cinta de luz led 2023
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
your empty words
Humo sobre papel
12 piezas de 70 x 50 cm
fotos por Maru Serrano
visión circular / revelar el espacio
avis lumbre
31.03.23-07.04.23
Cuando entras, la casa está oscura, los ojos están enfocados en la luz externa. Cuando hay mucha luz, las pupilas se encogen. En la oscuridad, los ojos se relajan. Si te sientas durante un momento, poco a poco la oscuridad desaparece.
(...) digo “vislumbre” cuando lo que aparece ante mí deja, antes de desaparecer, algo así como la estela de una
pregunta, de un recuerdo o de un deseo. 1
Una visión más profunda siempre conlleva momentos de ceguera. 2
Una palabra circula en la sombra / e infla las cortinas. 3
Todo es opaco y transparente al mismo tiempo. 4
Su ojo acariciaba los objetos y todo el espacio que había alrededor de ellos. 5
Espero. Todo es reposo. Por tanto futuro inervado. /
Tú eres imagen en mí. Todo es primero soñado. 6
Y entonces comencé a filmar el árbol en pequeños fragmentos: fragmenté; condensé... y luego puedes ver el viento
adentro; entonces puedes ver algo de energía en él. Entonces se convierte en otra cosa. ¡Ah, eso es más interesante!
¡Ese es mi árbol! 7
¿Cuántos colores hay en un campo de hierba para el bebé que no conoce el “verde”? 8
El mundo quiere verse, el mundo vive en una curiosidad activa con ojos siempre abiertos. 9
El cine es movimiento y tiempo. Luz y oscuridad. Un instrumento. Material. Un abrir y cerrar de ojos. Un espejo. 10
¿Y el espejo de las aguas? es el único espejo que tiene una vida interior. En un agua tranquila, la superficie y la
profundidad están muy próximas. Profundidad y superficie están reconciliadas. Cuanto más profunda es el agua, más claro el espejo. 11
-avis lumbre
1. Georges Didi-Huberman
2. Trịnh Thị Minh Hà
3. Louis Émié
4. Trịnh Thị Minh Hà
5. Jerome Hiler sobre Marie Menken
6. Gilbert Trolliet
7. Jonas Mekas
8. Stan Brakage
9. Gaston Bachelard
10. Gustav Deustch
11. Gaston Bachelard
En la oscuridad de la mente tenemos miedo.
Miedo de lo que no podemos ver, y como consecuencia lo que no podemos entender.
De memorias que profundizan la ausencia.
Más oscuridad, más confusión.
O de un futuro al que le falta esperanza.
Pero al entrar en la oscuridad, más y más.
Hay que escuchar, recordar, jugar y sentir sin miedo.
Compartir esta experiencia con otras de modo que puedas imaginar nuevas formas, imágenes, colores, ritmos,
tiempos y sonidos porque finalmente son tuyos.
Y cuando vuelvas a contar la historia, no olvides que no hay un solo formato.
No hay una sola manera de absorberla porque como dice otra gran artista:
“Hay una vitalidad, una fuerza interior, una energía que se traduce dentro de ti en acción,
y porque sólo hay uno como tú en esta vida, esa acción se convierte en única.
Y si la bloquea, nunca más volverá a existir a través de ningún otro medio, y se perderá para siempre.” 1
Estamos felices de presentar la primera obra de avis lumbre, por invitación de La Papeleria.
El colectivo trabaja concretamente en las paredes del espacio, creando una intalacion específica del sitio que nos
recuerda lo ilimitado del cine y la creación de imágenes. Para repensar cuándo y dónde y por cuánto tiempo vuelve a aperece una película y si alguna vez se detiene.
- La Papeleria
1. Martha Graham
avis lumbre es un colectivo de cine conformado actualmente por Sofía Blanco (San José, Costa Rica, 1995), María Paz Correa (Bogotá, Colombia, 1988) y Andrea Sánchez (La Habana, Cuba, 1994) fundado en Madrid en el año 2023. Con visión circular / revelar el espacio inicia la actividad del colectivo.
película 16mm,
color, 3’, bucle,
silente,
lente Fresnel
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
plástico 360mm,
cortinas, película Super-8,
b/n y color, 5’23’’
fotos y documentación por Maru Serrano
ATAR A LA RATA
Javier Téllez
23.02.23-18.03.23
ATAR A LA RATA es un homenaje a Francisco Valero La Cruz, un artista venezolano injustamenteolvidado en las historiografías del arte europeo y latinoamericano. Es imposible encontrar referencias a sutrabajo en ninguna de las revisiones que se han hecho sobre el arte de la década del sesenta, apenas unabreve entrada lo recuerda hoy en el diccionario de Artes Visuales de su país natal. Valero La Cruz nació en1933 en Mérida, Venezuela. Vivió en Madrid desde 1955 hasta 1962, y luego se residenció en París. Se dioa conocer por una serie de happenings que incluían ratas vivas, y eventos de carácter subversivo quefrecuentemente le ocasionaron problemas con las autoridades. Entre los que se incluyen una marcha delimpiabotas en Madrid y la ocupación abrupta de una galería de arte por clochards en París. La instalación Bonjour Monsieur Valero La Cruz y el film de 16mm que he titulado con el palíndromoATAR A LA RATA, aluden específicamente al happening sin título que Valero La Cruz realizó el 16 dejunio de 1962 en la XXXI Bienal de Venecia, donde arrojó ratas vivas a los pies de Antonio Segni, elpresidente de Italia. Para realizar esta acción, que se atribuye erróneamente al artista argentino AlbertoGreco, Valero La Cruz se hizo pasar por fotógrafo de prensa portando una acreditación falsa para poderasistir a la inauguración oficial de la bienal e introducir seis ratas vivas escondidas en estuches de cueropara cámaras fotográficas. Durante la ceremonia de inauguración, Valero La Cruz soltó las ratas vivas queestaban pintadas de colores metálicos cerca del presidente, mientras gritaba consignas contra el mercadodel arte y la banalidad de las obras expuestas en la bienal. Valero La Cruz fue inmediatamente arrestado einterrogado por la policía, siendo luego deportado de Italia como consecuencia de su intervención artística. Un año antes, en febrero de 1961, Valero La Cruz había inaugurado una controversial exhibición tituladaRatas en la librería Fernando Fe en Madrid, un espacio importante de la escena artística madrileña de esemomento. La muestra presentada por el crítico de arte español José María Moreno Galván estabaconformada por una docena de pinturas abstractas de carácter informal, en las que el artista había pegadocadáveres de ratas. Las pinturas que eran presentadas al público como “temas vendibles” y tenían títuloshumorísticos como Rata en órbita, Rata invisible burguesa o Rata fatalista, realizaban una crítica incisiva la instrumentalización comercial y política del arte abstracto, mostrando una visión absolutamente inéditadentro del panorama del arte español durante la dictadura franquista, dominado entonces por la abstraccióngestual. La influencia de la obra de Valero La Cruz sobre sus contemporáneos amerita ser estudiada hoy.Happenings y eventos como El homenaje a la necrofilia de Carlos Contramaestre con el grupo “El techo dela ballena” en Venezuela (noviembre 1962), los vito-ditos de Alberto Greco (1962-1963) y otras accionesneovanguardistas de principios de los sesenta parecen hacer eco inmediato de las acciones de Valero LaCruz. La pionera obra del artista venezolano era heredera, al igual que la de sus colegas, del espíritu transgresorde Alfred Jarry, el dadaísmo y otros movimientos de la vanguardia, pero en su caso la puesta en cuestióndel concepto del arte era también consecuencia de un profundo interés por su interes por las filosofias no occidentales que lo llevarían a realizar un viaje a la India, finales de la década de los cincuenta. El carácter radical de la obra breve pero intensa de Valero La Cruz podría situarse en los inicios de lo que se llamará posteriormente crítica institucional. Valero La Cruz se vale de la ironía para realizar una crítica mordaz a los sistemas de distribución y consumo del objeto artístico. Durante su carrera se mantuvo completamente al margen de la comercialización e institucionalización del arte, y dedicó toda su obra a atacar fervientemente los principios que sustentan la institución artística. No debe sorprendernos entonces el silencio que ocurre aún en torno a su obra y a su persona. Valero La Cruz constituye hoy un gran enigma dentro de la historia del arte del siglo XX. No sabemos el paradero actual del artista ni si continua aún con vida, sus rastros desaparecen con el siglo. Francisco Valero La Cruz parece ejemplificar el célebre dictum de Marcel Duchamp: El gran artista del futuro pasará a la clandestinidad.
-Javier Téllez
Javier Téllez (Valencia,Venezuela); vive y trabaja en Nueva York.
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
fotos por Maru Serrano
desde
Alba Lorente Hernandez
14.01.23-29.01.23
DESDE
1. Indica el punto de origen o procedencia de algo o el punto a partir del cual hay que empezar a contar algo; se puede referir tanto al tiempo
como al espacio.
2. Para introducir la perspectiva, el enfoque, el aspecto o la opinión que se expresan.
3. Se expresa con ella el lugar o tiempo en que se empieza algo: pinta una raya desde aquí hasta allí; desde el 1 de enero no ha fumado nada.
En desde, Alba nos expone una diapositiva de la constante evolución de sus formas: composiciones y constantes desmaterializaciones que la llevan a lidiar con la resistencia física que los materiales de sus obras aportan. Los soportes sobre los cuales presenta su discurso no son más que íntimos recuerdos de un movimiento. Las trazas que produce hilan su trayectoria artística. En una de las instancias que forman esta exposición, Alba ha expuesto su proceso públicamente: lo que queda atrás no se oculta ni se intenta olvidar. Al abrir su propia labor al azar del otro, Alba expande sobre la destrucción de formas y materiales que distingue la infuencia del manifesto de Arte Destructivo (Buenos Aires, 1960) para empezar a liberar no solamente la obra si no a la artista misma. Asimismo, se replantea la función y el rol del espacio expositivo, rompiendo algunas reglas y con su propia relación con la práctica artística.
Después de haber abierto el espacio expositivo el pasado mes de diciembre a un público invitado, Alba (des)compone las imágenes
producidas, tanto las más abiertas como las más privadas.
Alba Lorente Hernández (Zaragoza, 1994); vive y trabaja en Madrid
Texto por Carmen Rotger Ordoñez
Hay un secreto, dice Alba. Antes de eso, habla de dos trípticos: tres partes de la exposición, tres partes del texto. El textual ya lo veis, es est hoja. Respecto del otro: La última parte abarca las dos primeras. Por lo tanto hablaríamos de tres círculos, sí, pero uno de ellos, el que se llama “exposición final”, abarca los otros dos. Por lo tanto hay una parte enorme, contentiva, y dos partes más, la suya y la nuestra, que son los círculos que la exposición contiene. Dice que todo trata el proceso, que va de mostrar el proceso, por eso el vídeo es la obra fnal. En la obra fnal se muestra cómo hicimos para sentir lo que ella suele sentir. Quién sabe si lo conseguimos. Aquí queda el resultado de aquello, y de otras muchas variables. Y lo más importante: aunque haya un circo de círculos, no todo se enseña. [Hay un secreto, porque ese es el juego]. Y precisamente: porque está lo que se ve, también está lo que se oculta.
Texto por Maria Paz Correa
Preparar el espacio para que algo suceda. Lo que sucede tiene unos límites simples a partir de los cuales los objetos serán reconfgurados,
alterados. Y esa acción en ese espacio tiene un eco en otro tiempo. Y todo lo que sucede, se fragmenta, se replica pero no se desecha. Alba, Maureen y Andrea ponen una cantidad de energía y tiempo para convertirse en parte de esa acción destructiva, de la que quedará una huella, susceptible a transformarse. Entonces, toman un lugar en ese proceso, liberan lo que haga falta y se disuelven. Quedan las cosas transformadas. Queda el lugar de la acción y su resonancia.
diseño sonoro por Óscar Escudero
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
fotos por Maru Serrano
difuso y no de oro
Antonio Menchen
19.11.22- 19.12.22
Antonio ha desnudado el espacio hasta el punto de que la instalación cinematográfca no se da del todo por las proyecciones, sino por lo que está latente, lo que falta: el pasado del espacio que se proyecta hacia una ilimitada reinterpretación de la imagen. Menchen abstrae la imagen hasta que desaparece: lo que nos ofrece es la estructura de un imaginario para defnir. Así entonces, es posible sumergirnos en una imagen que ya no existe, sino que se devuelve siempre a sí misma, muta y se desvanece. La imagen se regenera constantemente y se expon a los elementos que la acompañan en el espacio: una imagen vulnerable pero frme. En difuso y no de oro Antonio acentúa su proceso de continuo encuentro de imágenes que nos devuelve y que nos presenta: aquí la imagen no está fjada en ningún soporte, ésta es la imagen.
Antonio Menchen (Toledo, 1983); vive y trabaja entre
Madrid y Paris.
Entendidas como organismos activos, las imágenes diversas con las que trabajo; conforman una plataforma para investigar la relación entre montaje, representación y construcción. Bajo estos parámetros, realizo piezas de naturaleza mixta donde el cine, sus técnicas de representación y la confguración de espacios de proyección ocupan un lugar destacado. El uso deconstructivo de la imagen me permit montar y desmontar protocolos de representación y a la vez analizar la construcción y reconfguración de toda ficción.
Ha expuesto de manera individual en 2021 en el espacio de proyectos de la galería Luis Adelantado de Valencia con una muestra que llevaba
por título el ojo es el primer círculo. En 2019 también mostró su trabajo de manera individual en la exposición negro fondo ultraterreno en Bulegoa z/b en Bilbao. Ha participado de las exposiciones, Mikel Escobales, Asier Mendizabal, Antonio Menchen (Salón Madrid, 2022) Descripción de un estado físico (Elba Benítez-Schneider Colao, Madrid 2021); Laberinto del ramaje (Galería Marta Cervera, Madrid 2021); En tanto hay tacto (Sant Andreu Contemporani, Barcelona 2019), Mitos del futuro próximo (TEA, Tenerife 2019), Barru, barren, barrene (Harriak-EREMUAK, Arriarán y Güeñes 2019), Recorda el foc d ́agost (Fabra i Coats, Barcelona 2019); Distancias elásticas (Centro Párraga, Murcia 2019); Querer parcer noche (CA2M, Móstoles, 2018); o Sala de Lectura (Espacio F, Madrid 2005).
Terminó sus estudios de Bellas Artes en Madrid en 2007, completando su formación en el departamento de cine de la Akademie de Bildenden Künste de Viena en 2012 y posteriormente con un master en el Goldsmiths College de Londres en 2014.
Untitled, 2021, 16mm colour film, cortesia del artista y de la Galería Marta Cervera
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
fotos por Maru Serrano
Plaza Nelson Mandela
Maureen Muse
15.9.2022
16mm, en bucle
Plaza Nelson Mandela sintetiza la más reciente exploración artístico- visual de la artista. A través de una reflexión poético-formal de los 16 mm, Maureen propone crear una experiencia visual donde el movimiento rotatorio de la imagen se reproduce tanto durante el rodaje cuanto en la instalación. La obra se plantea como una exploración cinematográfica
desarrollada mediante una constante evolución: a partir de momentos concretos grabados durante el primer capítulo, los siguiente cuatro se desarrollan bajo la dirección de la artista que toma dos caminos principales: por una parte se invitan a artistas a interactuar con el movimiento de la cámara; por el otro el azar juega un rol de selección de los personajes que atraviesan la imagen. Todos los capítulos son grabados en espacios públicos en Madrid, y la pieza toma su nombre de su lugar de incepción, Plaza Nelson Mandela en Lavapiés. Tomando como punto de partida la memoria de cada capítulo anterior, Plaza Nelson Mandela se articula de forma orgánica y subjetiva. Se presenta durante el recorrido OFF de Proyector la primera iteración de Plaza Nelson Mandela dado que se propone como obra en constante evolución.
Maureen Muse (Boston, 1993); vive y trabaja en Madrid
Curador: Andrea Fontana
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
![]()
fotos por Ruben Ojeda
c/ 12 San Mateo
28004 Madrid, Espana
La programación 2022-2023 de La Papeleria gira alrededor de una propuesta curatorial centrada en metodologías procesuales site-specific y propone visibilizar la creación de aquellos artistas que se apoyan en una constante renovación de su proceso. Así, se promueven trabajos menos orientados hacia la objetualidad de la obra sino a los que producen imágenes con el espacio mismo.
Hemos invitado a cada artista a apropiarse del lugar para que se produzcan los cambios arquitectónicos, estéticos y físicos necesarios para generar una sinergia entre el espacio expositivo y la continuación de cada proceso artístico.
En el espacio de exposición dialogan así diferentes imaginarios de cómo se puede entender el arte contemporáneo. Cada visión es mediada por acercamientos a diferentes permanencias, y consecuentes huellas, de cada uno de los artistas.
La Papeleria está ubicada en Calle San Mateo 12, dirigido por la artista Maureen Muse y el curador Andrea Fontana.
Es posible programar visitas con cita previa:
| info@la-papeleria.es |
“1ndustrias”
Rosario Aninat
14.09.23-28.10.23
Rosario Aninat (1993, Chile) vive y trabaja en Alemania. Se graduó en Städelschule en 2021 como parte de la clase de Willem de Rooij. Trabaja combinando escultura e instalación y tiene una práctica independiente de colaboración con el artista Simon Shim Sutcliffe. Su práctica es el resultado de la minuciosa observación de las cualidades escultóricas potenciales y de las transformaciones de los materiales producidos en serie.
Sus obras se han exhibido en exposiciones individuales y duo: Under it still, L187, Offenbach (2020); And Amasia (con Shim Sutcliffe), Jo-Anne, Frankfurt (2021); remains, Kastanien Projektraum, Berlín (2021); Bones (con Shim Sutcliffe), fffriedrich, Frankfurt (2021); Come Hell or High Water (con Shim Sutcliffe), Mutter, Ámsterdam (2022), Underbelly (con Shim Sutcliffe), etta, Dusseldorf. Y en exposiciones colectivas: The Whistle, Schaumankai 69, Fráncfort (2021); Of Second Glances, Magma Maria, Offenbach (2022); Sweet Machine, Spoiler, Berlín (2022); 5 more minutes, Saasfee Pavillon, Frankfurt (2022); Urban Odyssées, Fondation Fiminco, Romainville (2023).
"Les émotions populaires"
Antoine Nessi
16.06.23-21.07.23
…Parce que, la République Française est necesaire, vital et juste…
Emmanuel Macron
Las barreras de seguridad enmarcan la imágen de un sector político bordado de flores conmemorativas, imagen que se produce acentuada por la forzosa desaparición de lo público, de su público. Las palabras del presidente de la República Francesa se dirigen a la vacuidad intrínseca de las imágenes que la Democracia propone de sí misma. El espacio público se cierra en la ceguera histórica de las necesidades políticas y de su representación.
Estamos frente a una tautología colapsando sobre sí misma: se protegen esos espacios públicos cuya imagen de resistencia no es más que un fantasma caricaturizado. Allí donde el poder político solamente viste un imaginario visible hacia fuera, donde la calle ya no sirve para bloquear flujos de poder y su ubicuidad asfixiante, allí el poder se esconde tras una máscara de sí misma.
En esta nueva instalación realizada por Antoine Nessi, esa vacuidad intrínseca de las imágenes que la Democracia produce de sí misma, se presenta por antonimia. Los restos de la presencia pública retoman un espíritu a la vez siniestro y cómico con sus rasgos modernizados, sistematizados. Les émotions populaires, un discontinuo que presenta el movimiento y el sonido de los disturbios con máscaras privadas de emoción y de identidad. Antoine responde con macabra ironía a la que es, a todos los efectos, la privatización de una institución que extiende su alcance sobre el vacío.
ocho de mayo
materiales mixtos. barrera de metal y ceramica
2023
mascara sin titulo
ceramica
1/5
2023
les émotions populaires grabando sobre papel
40x30 cm
1/1
2023
le peuple des barrières
acero
2023
Studio Croma
Margot Kalach, Santiago Gómez, Ángela Leyva
18.05.23-04.06.23
Croma en La Papeleria presenta un tipo de apuesta diferente de las exposiciones que previamente han ocupado el espacio.
Se han invitado los artistas Margot Kalach, Santiago Gómez y Ángela Leyva –co-directores de Studio Croma en Ciudad de México– a trasladar sus prácticas individuales en La Papeleria.
Studio Croma mezcla el espacio expositivo con la práctica de estudio, proponiendo un modelo híbrido de espacio-trabajo.
La exposición es resultado de varios meses de conversación y diálogo sobre cómo llevar un espacio, sus complejidades desde una perspectiva precaria, cómo fomentar exper-imentación y cómo apoyarse mutuamente.
Los tres artistas han producido parte de lo que ahora habita el espacio en sus estudios en México para luego desarrollar un trabajo de recontextualización y una presentación fuertemente in!uenciada por las limitaciones que el espacio físico conlleva.
La apuesta de La Papeleria es que los artistas trabajen en ritmos y en conexión con el espacio, permitiendo que el trabajo, y la imágen, de las exposiciones anteriores se in"ltre en las actuales y así haciendo extendiendo su procesualidad al espacio mismo.
Es por lo tanto que nos alegramos de que el espacio haya llevado a los tres artistas a pre-sentar sus obras bajo formatos con los cuales antes no habían jugado, aprovechando la imagen que les preexiste para renovarse.
Margot Kalach (Ciudad de México,1992)Vive y trabaja en la Ciudad de México es licenciada en fotografía, egresada de Bard College (2016). Cursó el Programa académico SOMA México (2017-2019). Fue recipiente de la beca FONCA Jóvenes Creadores (2019) y residente en Casa Wabi (2021). Cuenta con una participación amplia en exposiciones colectivas, así como tres exposiciones individuales: 08J3C71V17Y (Bard NY, 2016), El Sueño de la Piedra (Ex Convento Tepoztlán, 2021) y Reverberaciones (Cordoba Lab, Oaxaca, 2022). Ha participado en ferias como La Feria del Millón 2019 (Bogotá, Colombia) y PhotoLondon 2023 (Londres, Reino Unido).
Santiago Gómez (Bogotá, 1992) Vive y trabaja en la Ciudad de Méxicoes un artista e investigador con sede en la Ciudad de México. Es egresado de la Academia Superior de Artes de Bogotá (2016), formó parte de la generación 2019 del programa educativo SOMA (MX.) y de la Maestría en Artes Visuales de la UNAM (2020). Desde 2018 ha participado en ferias como la Feria del Millón (Col.) FAMA (Mty.) y Fain (CDMX). Ha participado en residencias como Zona 6 (2018, Mx.), Cobertizo (2019, Edo. Mx.) y Residencia Art Project (2021). Ha sido ganador de la convocatoria “Ensayos Transmediales” del colectivo Toda La Teoría del Universo (Cl.) y seleccionado en la edición N.18 de la Revista Terremoto (Mx.). Cuenta exposiciones individuales (CDMX.), así como diferentes exposiciones colectivas (Colombia, México, Grecia, Italia y España).
Ángela Leyva ( CDMX, 1987), Vive y trabaja en la Ciudad de México, donde cursó la licenciatura en Artes Plásticas y Visuales, en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Formó parte de la generación 2019 en el Programa Educativo SOMA. Realizó la Maestría en Artes Visuales (2019-2021), en la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM); y desde 2021 cursa el Doctorado en Artes Visuales, en la misma institución.
Plano temporal, 2023Tejido de papel (papel intervenido con óxido de acero, imanes)Dimensiones: variables Margot Kalach Plano temporal, 2023Tejido de papel (papel intervenido con óxido de acero, imanes)Dimensiones: variablesMargot Kalach GAN V, 2023 Óleo sobre lino y barniz de cera 30x30cm Marco de acrílico transparente GAN VI, 2023Óleo sobre lino y barniz de cera30x30cm Marco de acrílico transparente Ángela Leyva Ensamblaje de Mundos Hidratados por el Hype, 2023ensamblaje instalativo (posters, alucobond, manguera, agua y tinte fluorecente)Dimensiones: variables Santiago Gómez GANs In Vitro II, 2023 instalación Óleo sobre lino y barniz de cera, pecera de acrílico, luz neón y líquido 2 óleos de 1x1m Ángela Leyva
Interpolation #2, 2022
GAN lenticular
25x31cm
marco de acrílico transparente
Ángela Leyva
fotos por Maru Serrano
vendehúmos
Rubén Ojeda Guzmán
13.04.23- 29.04.23
Nota: aquí (no) se vende humo.
Rubén Ojeda Guzmán captura lo efímero con una serie de piezas que intercalan los hitos de su producción artística. A lo largo de su trayectoria, Rubén ha cuestionado sus entornos tanto sociales como políticos y culturales, y su propia relación con ellos. A través de un humor que resignifica la discursividad contemporánea –memes, carnavales, luminarias– Ojeda nos pone frente a una serie de trazas.
Trazas del fuego y sus explosiones, trazas de pasajes de sujetos y objetos cuya presencia ya no es bienvenida. Ojeda toma su perspectiva desde la vulnerabilidad, la quema, y nos la presta para hacer de ella lo que uno más quiera. Aquí, el chiste se vuelve política.
Ojeda remite a sus orígenes por los materiales que emplea, como la pólvora y lo quemado, volviendo a la raíz de la creación y enseñándonosla. Este artista abstrae su propia otredad y confía en su destrucción para replantearnos los sistemaspolítico-jurídicos (y lúdicos) de la producción artística. Asimismo, lo que tendría que ser el fin, contraataca y se reverbera desde atrás, defendiendo su omnipresencia pero especialmente, su necesidad. Y propulsa un proceso vivo y en constante riesgo.
Rubén Ojeda Guzmán (Oaxaca, México, 1991) es un artista conceptual mexicano afincado en Madrid que emplea diferentes medios como la instalación, la pintura y la escritura. En el centro de su obra se encuentra la noción del arte como campo de batalla hacia una inscripción histórica. Realizó el Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía (2022) y la licenciatura en Artes Plásticas por la UDLAP en México (2014). Ha realizado exposiciones individuales en México, Suiza y España. Fue artista residente en air-Montreux, Suiza en 2020 y obtuvo la beca de Jóvenes Creadores del FONCA en 2014. También obtuvo el Premio de la Salón de Arte Universitario IMACP en 2015 y el premio Sala Joven del Museo de los Pintores Oaxaqueños en 2012. Su trabajo se ha expuesto colectivamente en México, Suecia, Brasil, Noruega, Estados Unidos, Suiza, Inglaterra y España ha sido reseñada en Frieze, Chambre Fluide, Iberoamérica Social, Torpedo, Farhenehit, Milenio y lo catálogos Piel. 33 artistas contemporáneos y +50 artistas contemporáneos en Oaxaca.
Spoiler Alert Cinta de ignición quemada sobre el espacio 2023 Good News Humo sobre papel 38 piezas de 70 x 50 cm 2023 Excess of peace Cinta de luz led 2023
Humo sobre papel
12 piezas de 70 x 50 cm
fotos por Maru Serrano
visión circular / revelar el espacio
avis lumbre
31.03.23-07.04.23
Cuando entras, la casa está oscura, los ojos están enfocados en la luz externa. Cuando hay mucha luz, las pupilas se encogen. En la oscuridad, los ojos se relajan. Si te sientas durante un momento, poco a poco la oscuridad desaparece.
(...) digo “vislumbre” cuando lo que aparece ante mí deja, antes de desaparecer, algo así como la estela de una
pregunta, de un recuerdo o de un deseo. 1
Una visión más profunda siempre conlleva momentos de ceguera. 2
Una palabra circula en la sombra / e infla las cortinas. 3
Todo es opaco y transparente al mismo tiempo. 4
Su ojo acariciaba los objetos y todo el espacio que había alrededor de ellos. 5
Espero. Todo es reposo. Por tanto futuro inervado. /
Tú eres imagen en mí. Todo es primero soñado. 6
Y entonces comencé a filmar el árbol en pequeños fragmentos: fragmenté; condensé... y luego puedes ver el viento
adentro; entonces puedes ver algo de energía en él. Entonces se convierte en otra cosa. ¡Ah, eso es más interesante!
¡Ese es mi árbol! 7
¿Cuántos colores hay en un campo de hierba para el bebé que no conoce el “verde”? 8
El mundo quiere verse, el mundo vive en una curiosidad activa con ojos siempre abiertos. 9
El cine es movimiento y tiempo. Luz y oscuridad. Un instrumento. Material. Un abrir y cerrar de ojos. Un espejo. 10
¿Y el espejo de las aguas? es el único espejo que tiene una vida interior. En un agua tranquila, la superficie y la
profundidad están muy próximas. Profundidad y superficie están reconciliadas. Cuanto más profunda es el agua, más claro el espejo. 11
-avis lumbre
1. Georges Didi-Huberman
2. Trịnh Thị Minh Hà
3. Louis Émié
4. Trịnh Thị Minh Hà
5. Jerome Hiler sobre Marie Menken
6. Gilbert Trolliet
7. Jonas Mekas
8. Stan Brakage
9. Gaston Bachelard
10. Gustav Deustch
11. Gaston Bachelard
En la oscuridad de la mente tenemos miedo.
Miedo de lo que no podemos ver, y como consecuencia lo que no podemos entender.
De memorias que profundizan la ausencia.
Más oscuridad, más confusión.
O de un futuro al que le falta esperanza.
Pero al entrar en la oscuridad, más y más.
Hay que escuchar, recordar, jugar y sentir sin miedo.
Compartir esta experiencia con otras de modo que puedas imaginar nuevas formas, imágenes, colores, ritmos,
tiempos y sonidos porque finalmente son tuyos.
Y cuando vuelvas a contar la historia, no olvides que no hay un solo formato.
No hay una sola manera de absorberla porque como dice otra gran artista:
“Hay una vitalidad, una fuerza interior, una energía que se traduce dentro de ti en acción,
y porque sólo hay uno como tú en esta vida, esa acción se convierte en única.
Y si la bloquea, nunca más volverá a existir a través de ningún otro medio, y se perderá para siempre.” 1
Estamos felices de presentar la primera obra de avis lumbre, por invitación de La Papeleria.
El colectivo trabaja concretamente en las paredes del espacio, creando una intalacion específica del sitio que nos
recuerda lo ilimitado del cine y la creación de imágenes. Para repensar cuándo y dónde y por cuánto tiempo vuelve a aperece una película y si alguna vez se detiene.
- La Papeleria
1. Martha Graham
avis lumbre es un colectivo de cine conformado actualmente por Sofía Blanco (San José, Costa Rica, 1995), María Paz Correa (Bogotá, Colombia, 1988) y Andrea Sánchez (La Habana, Cuba, 1994) fundado en Madrid en el año 2023. Con visión circular / revelar el espacio inicia la actividad del colectivo.
color, 3’, bucle,
silente,
lente Fresnel
cortinas, película Super-8,
b/n y color, 5’23’’
fotos y documentación por Maru Serrano
ATAR A LA RATA
Javier Téllez
23.02.23-18.03.23
ATAR A LA RATA es un homenaje a Francisco Valero La Cruz, un artista venezolano injustamenteolvidado en las historiografías del arte europeo y latinoamericano. Es imposible encontrar referencias a sutrabajo en ninguna de las revisiones que se han hecho sobre el arte de la década del sesenta, apenas unabreve entrada lo recuerda hoy en el diccionario de Artes Visuales de su país natal. Valero La Cruz nació en1933 en Mérida, Venezuela. Vivió en Madrid desde 1955 hasta 1962, y luego se residenció en París. Se dioa conocer por una serie de happenings que incluían ratas vivas, y eventos de carácter subversivo quefrecuentemente le ocasionaron problemas con las autoridades. Entre los que se incluyen una marcha delimpiabotas en Madrid y la ocupación abrupta de una galería de arte por clochards en París. La instalación Bonjour Monsieur Valero La Cruz y el film de 16mm que he titulado con el palíndromoATAR A LA RATA, aluden específicamente al happening sin título que Valero La Cruz realizó el 16 dejunio de 1962 en la XXXI Bienal de Venecia, donde arrojó ratas vivas a los pies de Antonio Segni, elpresidente de Italia. Para realizar esta acción, que se atribuye erróneamente al artista argentino AlbertoGreco, Valero La Cruz se hizo pasar por fotógrafo de prensa portando una acreditación falsa para poderasistir a la inauguración oficial de la bienal e introducir seis ratas vivas escondidas en estuches de cueropara cámaras fotográficas. Durante la ceremonia de inauguración, Valero La Cruz soltó las ratas vivas queestaban pintadas de colores metálicos cerca del presidente, mientras gritaba consignas contra el mercadodel arte y la banalidad de las obras expuestas en la bienal. Valero La Cruz fue inmediatamente arrestado einterrogado por la policía, siendo luego deportado de Italia como consecuencia de su intervención artística. Un año antes, en febrero de 1961, Valero La Cruz había inaugurado una controversial exhibición tituladaRatas en la librería Fernando Fe en Madrid, un espacio importante de la escena artística madrileña de esemomento. La muestra presentada por el crítico de arte español José María Moreno Galván estabaconformada por una docena de pinturas abstractas de carácter informal, en las que el artista había pegadocadáveres de ratas. Las pinturas que eran presentadas al público como “temas vendibles” y tenían títuloshumorísticos como Rata en órbita, Rata invisible burguesa o Rata fatalista, realizaban una crítica incisiva la instrumentalización comercial y política del arte abstracto, mostrando una visión absolutamente inéditadentro del panorama del arte español durante la dictadura franquista, dominado entonces por la abstraccióngestual. La influencia de la obra de Valero La Cruz sobre sus contemporáneos amerita ser estudiada hoy.Happenings y eventos como El homenaje a la necrofilia de Carlos Contramaestre con el grupo “El techo dela ballena” en Venezuela (noviembre 1962), los vito-ditos de Alberto Greco (1962-1963) y otras accionesneovanguardistas de principios de los sesenta parecen hacer eco inmediato de las acciones de Valero LaCruz. La pionera obra del artista venezolano era heredera, al igual que la de sus colegas, del espíritu transgresorde Alfred Jarry, el dadaísmo y otros movimientos de la vanguardia, pero en su caso la puesta en cuestióndel concepto del arte era también consecuencia de un profundo interés por su interes por las filosofias no occidentales que lo llevarían a realizar un viaje a la India, finales de la década de los cincuenta. El carácter radical de la obra breve pero intensa de Valero La Cruz podría situarse en los inicios de lo que se llamará posteriormente crítica institucional. Valero La Cruz se vale de la ironía para realizar una crítica mordaz a los sistemas de distribución y consumo del objeto artístico. Durante su carrera se mantuvo completamente al margen de la comercialización e institucionalización del arte, y dedicó toda su obra a atacar fervientemente los principios que sustentan la institución artística. No debe sorprendernos entonces el silencio que ocurre aún en torno a su obra y a su persona. Valero La Cruz constituye hoy un gran enigma dentro de la historia del arte del siglo XX. No sabemos el paradero actual del artista ni si continua aún con vida, sus rastros desaparecen con el siglo. Francisco Valero La Cruz parece ejemplificar el célebre dictum de Marcel Duchamp: El gran artista del futuro pasará a la clandestinidad.
-Javier Téllez
Javier Téllez (Valencia,Venezuela); vive y trabaja en Nueva York.
fotos por Maru Serrano
desde
Alba Lorente Hernandez
14.01.23-29.01.23
DESDE
1. Indica el punto de origen o procedencia de algo o el punto a partir del cual hay que empezar a contar algo; se puede referir tanto al tiempo
como al espacio.
2. Para introducir la perspectiva, el enfoque, el aspecto o la opinión que se expresan.
3. Se expresa con ella el lugar o tiempo en que se empieza algo: pinta una raya desde aquí hasta allí; desde el 1 de enero no ha fumado nada.
En desde, Alba nos expone una diapositiva de la constante evolución de sus formas: composiciones y constantes desmaterializaciones que la llevan a lidiar con la resistencia física que los materiales de sus obras aportan. Los soportes sobre los cuales presenta su discurso no son más que íntimos recuerdos de un movimiento. Las trazas que produce hilan su trayectoria artística. En una de las instancias que forman esta exposición, Alba ha expuesto su proceso públicamente: lo que queda atrás no se oculta ni se intenta olvidar. Al abrir su propia labor al azar del otro, Alba expande sobre la destrucción de formas y materiales que distingue la infuencia del manifesto de Arte Destructivo (Buenos Aires, 1960) para empezar a liberar no solamente la obra si no a la artista misma. Asimismo, se replantea la función y el rol del espacio expositivo, rompiendo algunas reglas y con su propia relación con la práctica artística.
Después de haber abierto el espacio expositivo el pasado mes de diciembre a un público invitado, Alba (des)compone las imágenes
producidas, tanto las más abiertas como las más privadas.
Alba Lorente Hernández (Zaragoza, 1994); vive y trabaja en Madrid
Texto por Carmen Rotger Ordoñez
Hay un secreto, dice Alba. Antes de eso, habla de dos trípticos: tres partes de la exposición, tres partes del texto. El textual ya lo veis, es est hoja. Respecto del otro: La última parte abarca las dos primeras. Por lo tanto hablaríamos de tres círculos, sí, pero uno de ellos, el que se llama “exposición final”, abarca los otros dos. Por lo tanto hay una parte enorme, contentiva, y dos partes más, la suya y la nuestra, que son los círculos que la exposición contiene. Dice que todo trata el proceso, que va de mostrar el proceso, por eso el vídeo es la obra fnal. En la obra fnal se muestra cómo hicimos para sentir lo que ella suele sentir. Quién sabe si lo conseguimos. Aquí queda el resultado de aquello, y de otras muchas variables. Y lo más importante: aunque haya un circo de círculos, no todo se enseña. [Hay un secreto, porque ese es el juego]. Y precisamente: porque está lo que se ve, también está lo que se oculta.
Texto por Maria Paz Correa
Preparar el espacio para que algo suceda. Lo que sucede tiene unos límites simples a partir de los cuales los objetos serán reconfgurados,
alterados. Y esa acción en ese espacio tiene un eco en otro tiempo. Y todo lo que sucede, se fragmenta, se replica pero no se desecha. Alba, Maureen y Andrea ponen una cantidad de energía y tiempo para convertirse en parte de esa acción destructiva, de la que quedará una huella, susceptible a transformarse. Entonces, toman un lugar en ese proceso, liberan lo que haga falta y se disuelven. Quedan las cosas transformadas. Queda el lugar de la acción y su resonancia.
diseño sonoro por Óscar Escudero
fotos por Maru Serrano
difuso y no de oro
Antonio Menchen
19.11.22- 19.12.22
Antonio ha desnudado el espacio hasta el punto de que la instalación cinematográfca no se da del todo por las proyecciones, sino por lo que está latente, lo que falta: el pasado del espacio que se proyecta hacia una ilimitada reinterpretación de la imagen. Menchen abstrae la imagen hasta que desaparece: lo que nos ofrece es la estructura de un imaginario para defnir. Así entonces, es posible sumergirnos en una imagen que ya no existe, sino que se devuelve siempre a sí misma, muta y se desvanece. La imagen se regenera constantemente y se expon a los elementos que la acompañan en el espacio: una imagen vulnerable pero frme. En difuso y no de oro Antonio acentúa su proceso de continuo encuentro de imágenes que nos devuelve y que nos presenta: aquí la imagen no está fjada en ningún soporte, ésta es la imagen.
Antonio Menchen (Toledo, 1983); vive y trabaja entre
Madrid y Paris.
Entendidas como organismos activos, las imágenes diversas con las que trabajo; conforman una plataforma para investigar la relación entre montaje, representación y construcción. Bajo estos parámetros, realizo piezas de naturaleza mixta donde el cine, sus técnicas de representación y la confguración de espacios de proyección ocupan un lugar destacado. El uso deconstructivo de la imagen me permit montar y desmontar protocolos de representación y a la vez analizar la construcción y reconfguración de toda ficción.
Ha expuesto de manera individual en 2021 en el espacio de proyectos de la galería Luis Adelantado de Valencia con una muestra que llevaba
por título el ojo es el primer círculo. En 2019 también mostró su trabajo de manera individual en la exposición negro fondo ultraterreno en Bulegoa z/b en Bilbao. Ha participado de las exposiciones, Mikel Escobales, Asier Mendizabal, Antonio Menchen (Salón Madrid, 2022) Descripción de un estado físico (Elba Benítez-Schneider Colao, Madrid 2021); Laberinto del ramaje (Galería Marta Cervera, Madrid 2021); En tanto hay tacto (Sant Andreu Contemporani, Barcelona 2019), Mitos del futuro próximo (TEA, Tenerife 2019), Barru, barren, barrene (Harriak-EREMUAK, Arriarán y Güeñes 2019), Recorda el foc d ́agost (Fabra i Coats, Barcelona 2019); Distancias elásticas (Centro Párraga, Murcia 2019); Querer parcer noche (CA2M, Móstoles, 2018); o Sala de Lectura (Espacio F, Madrid 2005).
Terminó sus estudios de Bellas Artes en Madrid en 2007, completando su formación en el departamento de cine de la Akademie de Bildenden Künste de Viena en 2012 y posteriormente con un master en el Goldsmiths College de Londres en 2014.
Untitled, 2021, 16mm colour film, cortesia del artista y de la Galería Marta Cervera
fotos por Maru Serrano
Plaza Nelson Mandela
Maureen Muse
15.9.2022
16mm, en bucle
Plaza Nelson Mandela sintetiza la más reciente exploración artístico- visual de la artista. A través de una reflexión poético-formal de los 16 mm, Maureen propone crear una experiencia visual donde el movimiento rotatorio de la imagen se reproduce tanto durante el rodaje cuanto en la instalación. La obra se plantea como una exploración cinematográfica
desarrollada mediante una constante evolución: a partir de momentos concretos grabados durante el primer capítulo, los siguiente cuatro se desarrollan bajo la dirección de la artista que toma dos caminos principales: por una parte se invitan a artistas a interactuar con el movimiento de la cámara; por el otro el azar juega un rol de selección de los personajes que atraviesan la imagen. Todos los capítulos son grabados en espacios públicos en Madrid, y la pieza toma su nombre de su lugar de incepción, Plaza Nelson Mandela en Lavapiés. Tomando como punto de partida la memoria de cada capítulo anterior, Plaza Nelson Mandela se articula de forma orgánica y subjetiva. Se presenta durante el recorrido OFF de Proyector la primera iteración de Plaza Nelson Mandela dado que se propone como obra en constante evolución.
Maureen Muse (Boston, 1993); vive y trabaja en Madrid
Curador: Andrea Fontana
fotos por Ruben Ojeda