La Papeleria
c/ 12 San Mateo
28004 Madrid, Espana


La programación 2022-2023 de La Papeleria gira alrededor de una propuesta curatorial centrada en metodologías procesuales site-specific y propone visibilizar la creación de aquellos artistas que se apoyan en una constante renovación de su proceso. Así, se promueven trabajos menos orientados hacia la objetualidad de la obra sino a los que producen imágenes con el espacio mismo.

Hemos invitado a cada artista a apropiarse del lugar para que se produzcan los cambios arquitectónicos, estéticos y físicos necesarios para generar una sinergia entre el espacio expositivo y la continuación de cada proceso artístico.

En el espacio de exposición dialogan así diferentes imaginarios de cómo se puede entender el arte contemporáneo. Cada visión es mediada por acercamientos a diferentes permanencias, y consecuentes huellas, de cada uno de los artistas.

La Papeleria está ubicada en Calle San Mateo 12, dirigido por la artista Maureen Muse y el curador Andrea Fontana.


Es posible programar visitas con cita previa:

info@la-papeleria.es



Antonio de la Rosa
“No Sé”
07.03.23-28.04.23

Antonio de la Rosa (Zaragoza, España, 1970) es un artista iconoclasta con un interés focalizado principalmente en proyectos de carácter efímero y específico. Su labor más reconocida transita alrededor del dibujo y la performance. Sin embargo su producción no se ciñe tan sólo a este tipo de propuestas por lo que es común que realice trabajos en colaboración con artistas de otras disciplinas. Es en el performance donde manifiesta un interés más profundo como práctica artística y donde generalmente huye del protagonismo como ejecutante para generar situaciones en las que el espectador se convierte en motor de la acción. La diferente temática social y política dentro de sus propuestas y que en ocasiones se plantea con crudeza, le ha obligado a que muchos de sus proyectos se manejen desde la autogestión o se muestren en espacios alternativos.
No se puede decir que haya una temática fija en su obra aunque si hay temas recurrentes alrededor de los conflictos que atañen a la vida íntima del individuo huyendo de discursos grandilocuentes. Muchos de sus trabajos se miden desde una perspectiva humorística y algunos proyectos se dibujan muy en el límite de posicionamientos que ponen en tensión la idea de libertad o de legalidad. Podría decirse que siempre en su trabajo vive un interés por reivindicar la humanidad del individuo aún en las más complicadas circunstancias, asumiendo dicho interés desde comportamientos y respuestas estéticas.
















2 BREASTS/ 1 FAILURE
    The artist was invited to develop a project in Ciudad Juárez (MX) using as a point of departure his masculine condition and his vital structure as a macho, while considering the femminicides of the city as a starting point and physical space for reflection.
    To face this conflict, the artist underwent a surgical intervention with breast implants as a starting
boint. me entre orocess was uncerstood as a ocho mance. rar rom tansvostres ordensions the intention behind this physical transformation was to confronting explore the mechanisms of sexist violence.
    In order to avoid focusing on Ciudad Juarez as the epicenter of the conflict and to understand the
reality of misogyny as endemic and global, the actions associated with the project wer developed in different locations, whether countries or cities.
    At no time in the project did the image of the artist appear, since with the incorporation of silicone
implants, it was intended to be a lure for male chauvinist reactions, especially represented by grovos or men. Once the perfomatic process was over, the artist underwent another intervention to remove the implants and return to his original masculine appearance.
    Neither the five years spent as a man with breasts nor the various inquiries about violence carried
our urno toar ono ocroonave ocen enovo n or the anisco reach an enlionenino conclusion.
    Therefore in the face of this emotiness. he only feels capable of offerino as a testimony of the action the trace resulting from the surgical interventions. This is the surplus of his own skin after the removal of the implants.
These scars are both a part and the only record of the performance.





2 TETAS/ 1 FRACASO
2005-2010
El artista fue invitado a desarrollar un proyecto a Ciudad Juárez desde su condición masculina y desde su estructura vital como macho, considerando los feminicidios de esa ciudad como inicio y territorio físico para la reflexión.
Para enfrentarse a ese conflicto el artista se sometió a una intervención de implantes mamarios como punto de partida. Todo el proyecto se entendía como un performance. La intención de esta transformación física, lejos de pretensiones travestistas, buscaba confrontar su identidad masculina y explorar los mecanismos que generan la violencia machista.
Para huir de de la focalización de Ciudad Juárez como epicentro del conflicto entendiendo la realidad de la misoginia como endémica y global, las acciones asociadas al proyecto se desarrollaron en diferentes locaciones, ya sean países o ciudades.
En ningún momento dentro del proyecto aparecía la imagen del artista, ya que con la incorporación de los implantes de silicona, se buscaba ser un señuelo para las reacciones machistas, especialmente representadas por grupos de hombres.
Una vez finalizado el proceso perfomático el artista se sometió nuevamente a una intervención para extraer los implantes y regresar a su aspecto masculino original.
Ni los cinco años transitando como un hombre con senos ni las diversas indagaciones sobre violencia realizadas durante ese largo periodo han sido suficientes para que el artista llegue a una conclusión esclarecedora. Por ello ante este vacío tan solo se siente capaz de ofrecer como testimonio de la acción la huella resultante de las intervenciones quirúrgicas. Esto es el sobrante de su propia piel tras la extracción de los implantes.
Estas cicatrices son a la vez pieza y único registro del performance







En el espacio de exposición se coloca un código QR que enlaza con una serie de vídeos creados por el artista. El video es una recopilación de videos que el artista obtuvo de las redes sociales y Telegram. Las imágenes son específicas del genocidio actual en Gaza e imágenes compartidas por los medios israelíes.





















fotos por Maru Serrano

lista de obras:
2 tetas un fracaso, 2024
Piel humana en permatol, mesa de hierro (100 x 47 x 55 cm)
cuya superficie corresponde al torso del artista y metacrilato
Human skin in permatol, iron table (10 x 47 x 55 cm) whose surface
corresponds to the artists’ torso and methacrylate.
Instalación, medidas variables/ Installation, variables measures

Pop up! 3D, 2024
Varios materiales: dildo de 24cm de color rosa, falda florar de
Moschino del artista y botas de cuero
Various materials: 24cm pink dildo
Moschino floral skirt from the artist and leather boots.
Instalación en La Papeleria: 100 x 40 cm. Medidas variables 
Intallation at La Papeleria: 100 x 40 cm Variable measures

Pop up! 2D, 2024
Video instalación con hélice y leds 
Video installation with helix and leds
40 cm diámetro | diameter

Selfie, 2024
Loop video 6.07 min, monocanal, color y con audio,
compuesto por fragmentos de videos íntimos del autor. |
Loop video 6.07 min, single-channel, colour and audio,
composed of fragments of intimate videos of the author.


Maureen Muse
“Titicut Follies”
03.02.24-03.03.24

proyecto offsite en CROMA 

Maureen Muse (Boston, EEU, 1993) vive y produce entre Madrid y la Ciudad de México. Recientemente se graduó del programa Master.LAV (Laboratorio Audiovisual) donde ha seguido su investigación que explora las limitaciones temporales y materiales de la imagen.

(español)
Recluir la imagen. Olvidarla para reclamarla. Devolverla a su estado de abandono, su estadio natural. A su estadio primordial, de puro potencial. En Titicut Follies Maureen Muse produce una serie de instalaciones que exploran la invisibilidad de la imagen, lo que su producción esconde y su constante potencial de resignificación. Todo es una imagen, y aquí, ninguna está a la vista. Todo es una imagen, y aquí, se nos presenta una constelación que se mueve entre lo personal y lo histórico, entre lo íntimo y lo universal. Todo es una imagen, y aquí, el espacio se expande en sí mismo. Todo es una imagen, y aquí, se presenta como puro potencial, una visión espacial de una obsesiva absorción de la imagen en cuanto tal.

Todo empieza con una imagen prohibida, censurada. Una imagen que, políticamente socialmente e ideológicamente se precluye al ojo público. La imagen de la muerte, la imagen de lo diferente, de lo que hay que olvidar para que la vida siga adelante. En su fundamental documental Titicut Folliesel cineasta norteamericano Frederick Wiseman saca a la luz una reivindicación política de la invisibilidad social así impuesta institucionalmente. Su atenta mirada nos lleva a la profunda violencia del olvido forzado por la institución. Reivindica una sociedad cuya sabiduría y sensibilidad ponen un directo riesgo al desarrollo del capital y de lo que se puede enmarcar bajo el amplio espectro de la Occidentalidad y su status quo.

Esta exposición define un punto de inflexión en la línea de trabajo de Muse que, fusionando lo cinematográfico con lo arquitectónico, propone una metodología procesual de la imagen desarrollada in situ. Asumiendo su formación como fotógrafa y cineasta, nos propone esta serie de instalaciones, estas imágenes, o quizás, estos portales.

Los marcos estructurales que definen el espacio se reflejan en sí mismos, un compulsivo (re)abrirse en sí mismo. Se nos presenta un fragmento de proceso en constante evolución, un porvenir de una(s) imagen(es) cuyo resultado escapa a la intención. Reclamar lo oculto, el germen de estas estructuras-espacios, lo que se omite a la vista para que la imagen pueda subsanarse. Sanarse reinterpretándose, abriéndose a lo que aún no conoce de ella misma. Reclamar lo oculto y ofrecerlo como estructura, como nuevo marco.

(english)
To seclude the image. To forget it in order to reclaim it. To bring it back to a state of abandonment, to its natural state. To its primordial state of pure potential. In Titicut Follies Maureen Muse produced a series of installations that explore the invisibility of the image, what its production hides, and its continuous potential of resignification. Everything is an image, and here, none of them are for us to see. Everything is an image, and here, we are presented with a constellation that moves between the personal and the historical, between the intimate and the universal. Everything is an image, and here, the space expands in itself. Everything is an image and here it presents itself as pure potential, a spatial vision of an obsessive absorption of the image as such.

It all starts with a prohibited image, a censored image. An image that, politically, socially, and ideologically is precluded from public sight. The image of death, of that which is different, of that which must be forgotten so that life keeps moving forward. In his seminal documentary Titicut Follies, the Northamerican filmmaker Frederick Wiseman brings to light a political revindication of  that which is invisible, and institutionally so. His attentive sight brings us to the profound violence of institutionally imposed oblivion. His work vindicates a society whose knowledge and sensibility would have posed a direct threat to the development of capital and of what can be broadly  encompassed under the spectrum of Occidentality and its status quo.

The exhibition marks a point of inflection in the line of work of Muse. Fusing the cinematographical with the arquitectural, she proposes a process methodology of the image that is developed in situ. Drawing from her formation as a photographer and filmmaker, she proposes this series of installations, these images or, perhaps, these portals.

The structural frames that define the space are reflected on themselves, a compulsive (re)opening on itself. We are presented with a fragment of an ever expanding process, a becoming of images that escapes intention. To reclaim the oblivion, the germen of those structure-spaces, that which must be hidden from sight so that the image can heal. To heal reinterpreting itself, opening up to that which still eludes itself. To reclaim the oblivion and offer it back as a new structure, as a new framework.






































fotos por José Darío

carpintería por Berenice Rodríguez Ramírez

materiales mixtos
ceniza, agua, sangre, cortinas, perilla de la puerta, madera, clavos


Sofia Montengro
vacío, destellos
30.11.23-25.1.24

Sofia Montenegro (Madrid, 1988) desarrolla su trabajo entre el sonido, la imagen, el texto, la mediación y las escénicas. Estudió Bellas Artes y Estudios Culturales entre Utrecht y Madrid, y un MA en Art Praxis en el Dutch Art Institute. Su práctica artística incorpora diversas metodologías que vinculan lo visual con lo sonoro y la acción en un espacio, buscando formas de producir imágenes en el pensamiento. Sus trabajos a menudo toman forma de instalación, recorridos sonoros, sesiones de escucha, encuentros colectivos o performance. Actualmente es residente en Hangar en Barcelona.

Ha mostrado su trabajo en exposiciones, acciones y performances en Blueproject Foundation, el Centre d’Arts Santa Monica, Can Felipa Arts Visuals (Barcelona), Bulegoa (Bilbao), MNCARS, LCE, El Chico (Madrid), Kunstraum Bethanien (Berlin), Hangar (Barcelona), Hablar en Arte (Madrid), La Escocesa (Barcelona), Bosque R.E.A.L., Getxoarte (Bilbao), Ekkisens Art Space (Reykjavik), Laboral Centro de Arte (Gijón), Sala de Arte Joven (Madrid), W139 (Amsterdam), What Remains Gallery (Munich), Ron Mandos Galerie (Amsterdam), Kunstpodium T (Tilburg), y Teatro Pradillo, entre otras.

Recientemente, ha sido residente en Futurama Alentejo, BilbaoArte, CRA Matadero Madrid, y Artistas En Residencia en el 2020, programa del MACBA, el CA2M y LCE. También ha colaborado en proyectos y residencias en el Caixa Forum de Barcelona, Addaya Centre d’Art Contemporani (Mallorca), Lugar a Dudas (Cali), Tbilisi Triennial y el Kunstverein Munich.

Ha sido premiada en Barcelona Producció 2023-24, Generacion 2022 y ha recibido ayudas de creación de la Comunidad de Madrid, Generalitat de Catalunya, INJUVE. Ganó el Jan Zumbrink Prijs y el Piet Bakker Prijs en los Países Bajos.





fotos por Maru Serrano

























fotos por Jorge Anguita Mirón
video por Sofia Perez Tudela


Einaidea en La Papeleria con un taller de Jorge Satorre como parte del programa Emboscadas.
13.11.23-17.11.23

Durante toda la semana, un grupo de artistas seleccionados participaron en un taller práctico dirigido por Satorre que culminó en la presentación de una obra final que va a estar de forma permanente en el espacio.

El objetivo de Emboscadas, proyecto dirigido por Manuel Cirauqui y Jordi Colomer, pretende intervenir el espacio expositivo a través de la exploración del espacio y los materiales.

Con la ayuda de un herrero y el trabajo de los participantes se construyó una escalera de acero inoxidable que atraviesa el falso techo hasta llegar al piso superior.

Los participantes también realizaron una serie de dibujos en la oscuridad, tanto en papel como en las paredes mismas, un ejercicio propuesto por Satorre.

Jorge Satorre (1979, Ciudad de México)

Con la participación de Alba Acebes, Rocío Agudo, Martí Cabanas, Berta Colomer, Ana Maria Nuño, Ignasi Parrilla, Alba Travé, Javier Ozcoidi y Stefano Santa María. Herreria por Daniel Domingo Schweitzer. 












escalera de hierro


















lapiz sobre pared

fotos por Maru Serrano

Palestine Museum of Natural History 
exposición en línea

Durante el verano de 2021 la artista y codirectora de La Papelería Maureen Muse ayudó a establecer un programa en el Palestine Museum of Natural History (PMNH) orientado a dar una plataforma para que los niños Palestinos puedan expresar visualmente su percepción y visión de su entorno natural.

Llevábamos tiempo planeando una colaboración oficial entre el PNMH y La Papeleria, sin embargo, el actual genocidio y terrorismo ejercido por el estado de Israel hacia el pueblo Palestino, nos lo imposibilitan por el momento.

La Papeleria comenzó en 2022 cómo situ de desarrollo para la imagen de un espacio de arte contemporáneo. Pensamos, de acuerdo con Agamben, que ser contemporáneo es tener "la mirada fija en su tiempo, para percibir no la luz sino la oscuridad". Por lo tanto nos vemos en la única posición de compartir aquellas imágenes que nacen de lo que ahora es una total oscuridad.

Por ello, compartimos una versión digital de lo que hubiera podido ser la colaboración, con las obras producidas durante el primer programa en 2021. Los resultados son producto de la atenta mirada de éstos niños, cuya sensibilidad cuesta entender, no solo por la rápida escalada bélica de las últimas semanas, sino por la duradera opresión y violencia sistémica impuesta por el colonialismo del estado Israelí.

Les invitamos a explorar éstas imágenes y a donar aqui. Con cada donación se procederá al envío de una postal con la obra de uno de los niños que participaron en el programa. El 100% de las donaciones será destinado directamente al Museo y sus esfuerzos humanitarios para Gaza y Cisjordania y la continuación de su proyecto.

Si realizas una donación al museo, envíanos una confirmación por correo electrónico para que podamos enviarte una postal.

A continuación se muestra una selección de las pinturas del proyecto.

lista de artistas que participaron:
Jaber Nidal Saadeh  9 años
Omar Mohammad Sajdeyeh    9 años
Ahmad Mohammad Sajdeyeh    11 años
Dana Mohammad Sajdeyeh    7 años
Mohammad Osama Sawalha    7 años
Lorence Shomaly    10 años
Ghazal Zaydeh    10 años
Ward Jamal    8 años
Mutasem Zyadeh    9 años
Leen Abu Al Reesh    11 años
Ricardo Abu Al Reesh    8 años
Dalia Huzaineh    13 años
Majdal Al- ahmar    10 años
Charbel Abu Aita    8 años
Yousef Al-Sharif    11 años
Ahmad Al-Sharif    10 años
May Zyadeh    11 años
Oday Salman    11 años
Khader Al-Radee    11 años
Evan Hadweh    9 años
Fouad Huzaineh    11 años
Lidia Nassar    14 años
Sally Nassar    12 años
































acrílico sobre lienzo
varios tamaños
2021

1ndustrias
Rosario Aninat
14.09.23

Hasta hora, la presencia procesal de cada artiste que se había apropiado de La Papelería –del espacio y de su imagen– había sido invariable. No es el caso de Rosario Aninat a quien invitamos a elaborar una propuesta desde una lejanía que precluye su presencia.

La imagen que Rosario nos devuelve es fuente de un (falso) trabajo de sustracción. Con cada uno de los meticulosos cambios generados desde la lejanía, Aninat paraliza un momento cuya esencia se escapa. Reduciendo la acción artística a su más mínima inyección poética en el espacio, Aninat nos lleva frente la efimeridad de la producción artística.

Rosario vuelve a desnudar el espacio sobre sí mismo, incorporando el trabajo artístico con restos y los restos en su obra, lo revive en su estado más bruto. Despojado de sí mismo y empleado tanto como dispositivo que como detonante, el lugar sucumbe a la precisa visión de Aninat.

Rosario Aninat (1993, Chile) vive y trabaja en Alemania. Se graduó en Städelschule en 2021 como parte de la clase de Willem de Rooij. Trabaja combinando escultura e instalación y tiene una práctica independiente de colaboración con el artista Simon Shim Sutcliffe. Su práctica es el resultado de la minuciosa observación de las cualidades escultóricas potenciales y de las transformaciones de los materiales producidos en serie.

Sus obras se han exhibido en exposiciones individuales y duo: Under it still, L187, Offenbach (2020); And Amasia (con Shim Sutcliffe), Jo-Anne, Frankfurt (2021); remains, Kastanien Projektraum, Berlín (2021); Bones (con Shim Sutcliffe), fffriedrich, Frankfurt (2021); Come Hell or High Water (con Shim Sutcliffe), Mutter, Ámsterdam (2022), Underbelly (con Shim Sutcliffe), etta, Dusseldorf. Y en exposiciones colectivas: The Whistle, Schaumankai 69, Fráncfort (2021); Of Second Glances, Magma Maria, Offenbach (2022); Sweet Machine, Spoiler, Berlín (2022); 5 more minutes, Saasfee Pavillon, Frankfurt (2022); Urban Odyssées, Fondation Fiminco, Romainville (2023).



1ndustrias (2)
video digital color, 1 minuto en loop
2023

1ndustrias (1)
4 monedas de estaño
⌀ 40 cm 
2023


hojas de plastico; tornillos; tacos; arandelas
2023


fotos por Maru Serrano

"Les émotions populaires"
Antoine Nessi
16.06.23-21.07.23

…Parce que, la République Française est necesaire, vit… 
Emmanuel Macron

Las barreras de seguridad enmarcan la imágen de un sector político bordado de flores conmemorativas, imagen que se produce acentuada por la forzosa desaparición de lo público, de su púb

Estamos frente a una tautología colapsando sobre sí misma: se protegen esos espacios públicos cuya imagen de resistencia no es más que un fantasma caricaturizado. Allí donde el poder político solamente viste un imaginario visible hacia fuera, donde la calle ya no sirve para bloquear flujos de poder y su ubicuidad asfixiante, allí el poder se esconde tras una máscara de sí misma.

En esta nueva instalación realizada por Antoine Nessi, esa vacuidad intrínseca de las imágenes que la Democracia produce de sí misma, se presenta por antonimia. Los restos de la presencia pública retoman un espíritu a la vez siniestro y cómico con sus rasgos modernizados, sistematizados. Les émotions populaires, un discontinuo que presenta el movimiento y el sonido de los disturbios con máscaras privadas de emoción y de identidad. Antoine responde con macabra ironía a la que es, a todos los efectos, la privatización de una institución que extiende su alcance sobre el vacío.

Antoine Nessi ( Paris, 1985); vive y trabaja en Marsella


le peuple des barrières
acero
2023

ocho de mayo
materiales mixtos. barrera de metal y ceramica
2023

les émotions populaires grabando sobre papel
40x30 cm
1/1
2023

mascara sin titulo
ceramica
1/5
2023


fotos por Maru Serrano


Studio Croma
Margot Kalach, Santiago Gómez, Ángela Leyva 
18.05.23-04.06.23

Croma en La Papeleria presenta un tipo de apuesta diferente de las exposiciones que previamente han ocupado el espacio.
Se han invitado los artistas Margot Kalach, Santiago Gómez y Ángela Leyva –co-directores de Studio Croma en Ciudad de México– a trasladar sus prácticas individuales en La Papeleria.
Studio Croma mezcla el espacio expositivo con la práctica de estudio, proponiendo un modelo híbrido de espacio-trabajo.
La exposición es resultado de varios meses de conversación y diálogo sobre cómo llevar un espacio, sus complejidades desde una perspectiva precaria, cómo fomentar exper-imentación y cómo apoyarse mutuamente.
Los tres artistas han producido parte de lo que ahora habita el espacio en sus estudios en México para luego desarrollar un trabajo de recontextualización y una presentación fuertemente in!uenciada por las limitaciones que el espacio físico conlleva.
La apuesta de La Papeleria es que los artistas trabajen en ritmos y en conexión con el espacio, permitiendo que el trabajo, y la imágen, de las exposiciones anteriores se in"ltre en las actuales y así haciendo extendiendo su procesualidad al espacio mismo.
Es por lo tanto que nos alegramos de que el espacio haya llevado a los tres artistas a pre-sentar sus obras bajo formatos con los cuales antes no habían jugado, aprovechando la imagen que les preexiste para renovarse.

Margot Kalach (Ciudad de México, 1992)Vive y trabaja en la Ciudad de México es licenciada en fotografía, egresada de Bard College (2016). Cursó el Programa académico SOMA México (2017-2019). Fue recipiente de la beca FONCA Jóvenes Creadores (2019) y residente en Casa Wabi (2021). Cuenta con una participación amplia en exposiciones colectivas, así como tres exposiciones individuales: 08J3C71V17Y (Bard NY, 2016), El Sueño de la Piedra (Ex Convento Tepoztlán, 2021) y Reverberaciones (Cordoba Lab, Oaxaca, 2022). Ha participado en ferias como La Feria del Millón 2019 (Bogotá, Colombia) y PhotoLondon 2023 (Londres, Reino Unido).

Santiago Gómez (Bogotá, 1992) Vive y trabaja en la Ciudad de Méxicoes un artista e investigador con sede en la Ciudad de México. Es egresado de la Academia Superior de Artes de Bogotá (2016), formó parte de la generación 2019 del programa educativo SOMA (MX.) y de la Maestría en Artes Visuales de la UNAM (2020). Desde 2018 ha participado en ferias como la Feria del Millón (Col.) FAMA (Mty.) y Fain (CDMX). Ha participado en residencias como Zona 6 (2018, Mx.), Cobertizo (2019, Edo. Mx.) y Residencia Art Project (2021). Ha sido ganador de la convocatoria “Ensayos Transmediales” del colectivo Toda La Teoría del Universo (Cl.) y seleccionado en la edición N.18 de la Revista Terremoto (Mx.). Cuenta exposiciones individuales (CDMX.), así como diferentes exposiciones colectivas (Colombia, México, Grecia, Italia y España).

Ángela Leyva ( CDMX, 1987), Vive y trabaja en la Ciudad de México, donde cursó la licenciatura en Artes Plásticas y Visuales, en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Formó parte de la generación 2019 en el Programa Educativo SOMA. Realizó la Maestría en Artes Visuales (2019-2021), en la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM); y desde 2021 cursa el Doctorado en Artes Visuales, en la misma institución.


Plano temporal
Tejido de papel (papel intervenido con óxido de acero, imanes)
Dimensiones: variables
2023
Margot Kalach 

GAN V
Óleo sobre lino y barniz de cera
30x30cm
Marco de acrílico transparente
Ángela Leyva

GAN VI
Óleo sobre lino y barniz de cera
30x30cm
Marco de acrílico transparente
Ángela Leyva

Ensamblaje de Mundos Hidratados por el Hype 
ensamblaje instalativo (posters, alucobond, manguera, agua y tinte fluorecente)
Dimensiones: variables
2023
Santiago Gómez

GANs In Vitro II 
instalación Óleo sobre lino y barniz de cera,
pecera de acrílico, luz neón y líquido 2 óleos de 1x1m
2023
Ángela Leyva

Interpolation #2
GAN lenticular
25x31cm
marco de acrílico transparente
2022
Ángela Leyva


foto por Maru Serrano

vendehúmos

Rubén Ojeda Guzmán
13.04.23- 29.04.23

Nota: aquí (no) se vende humo.

Rubén Ojeda Guzmán captura lo efímero con una serie de piezas que intercalan los hitos de su producción artística. A lo largo de su trayectoria, Rubén ha cuestionado sus entornos tanto sociales como políticos y culturales, y su propia relación con ellos. A través de un humor que resignifica la discursividad contemporánea –memes, carnavales, luminarias– Ojeda nos pone frente a una serie de trazas.

Trazas del fuego y sus explosiones, trazas de pasajes de sujetos y objetos cuya presencia ya no es bienvenida. Ojeda toma su perspectiva desde la vulnerabilidad, la quema, y nos la presta para hacer de ella lo que uno más quiera. Aquí, el chiste se vuelve política.

Ojeda remite a sus orígenes por los materiales que emplea, como la pólvora y lo quemado, volviendo a la raíz de la creación y enseñándonosla. Este artista abstrae su propia otredad y confía en su destrucción para replantearnos los sistemaspolítico-jurídicos (y lúdicos) de la producción artística. Asimismo, lo que tendría que ser el fin, contraataca y se reverbera desde atrás, defendiendo su omnipresencia pero especialmente, su necesidad. Y propulsa un proceso vivo y en constante riesgo.

Rubén Ojeda Guzmán (Oaxaca, México, 1991) es un artista conceptual mexicano afincado en Madrid que emplea diferentes medios como la instalación, la pintura y la escritura. En el centro de su obra se encuentra la noción del arte como campo de batalla hacia una inscripción histórica. Realizó el Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía (2022) y la licenciatura en Artes Plásticas por la UDLAP en México (2014). Ha realizado  exposiciones individuales en México, Suiza y España. Fue artista residente en air-Montreux,  Suiza en 2020 y obtuvo la beca de Jóvenes Creadores del FONCA en 2014. También obtuvo el Premio de la Salón de Arte Universitario IMACP en 2015 y el premio Sala Joven del Museo de los Pintores Oaxaqueños en 2012. Su trabajo se ha expuesto colectivamente en México, Suecia, Brasil, Noruega, Estados Unidos, Suiza, Inglaterra y España ha sido reseñada en Frieze, Chambre Fluide, Iberoamérica Social, Torpedo, Farhenehit, Milenio y lo catálogos Piel. 33 artistas contemporáneos y +50 artistas contemporáneos en Oaxaca.























Spoiler Alert
Cinta de ignición quemada sobre el espacio
2023

Good News
Humo sobre papel
38 piezas de 70 x 50 cm
2023

Excess of peace
Cinta de luz led
2023


fotos por Maru Serrano

visión circular / revelar el espacio
avis lumbre
31.03.23-07.04.23

Cuando entras, la casa está oscura, los ojos están enfocados en la luz externa. Cuando hay mucha luz, las pupilas se encogen. En la oscuridad, los ojos se relajan. Si te sientas durante un momento, poco a poco la oscuridad desaparece.


(...) digo “vislumbre” cuando lo que aparece ante mí deja, antes de desaparecer, algo así como la estela de una

pregunta, de un recuerdo o de un deseo. 1

Una visión más profunda siempre conlleva momentos de ceguera. 2

Una palabra circula en la sombra / e infla las cortinas. 3

Todo es opaco y transparente al mismo tiempo. 4

Su ojo acariciaba los objetos y todo el espacio que había alrededor de ellos.  5

Espero. Todo es reposo. Por tanto futuro inervado. /

Tú eres imagen en mí. Todo es primero soñado. 6

Y entonces comencé a filmar el árbol en pequeños fragmentos: fragmenté; condensé... y luego puedes ver el viento

adentro; entonces puedes ver algo de energía en él. Entonces se convierte en otra cosa. ¡Ah, eso es más interesante!

¡Ese es mi árbol! 7

¿Cuántos colores hay en un campo de hierba para el bebé que no conoce el “verde”?  8

El mundo quiere verse, el mundo vive en una curiosidad activa con ojos siempre abiertos. 9

El cine es movimiento y tiempo. Luz y oscuridad. Un instrumento. Material. Un abrir y cerrar de ojos. Un espejo. 10

¿Y el espejo de las aguas? es el único espejo que tiene una vida interior. En un agua tranquila, la superficie y la

profundidad están muy próximas. Profundidad y superficie están reconciliadas. Cuanto más profunda es el agua, más claro el espejo. 11


-avis lumbre

    1. Georges Didi-Huberman 
    2. Trịnh Thị Minh Hà 
    3. Louis Émié 
    4. Trịnh Thị Minh Hà  
    5. Jerome Hiler sobre Marie Menken
    6. Gilbert Trolliet 
    7. Jonas Mekas
    8. Stan Brakage
    9. Gaston Bachelard
   10. Gustav Deustch 
   11. Gaston Bachelard 


En la oscuridad de la mente tenemos miedo.
Miedo de lo que no podemos ver, y como consecuencia lo que no podemos entender.
De memorias que profundizan la ausencia.
Más oscuridad, más confusión.
O de un futuro al que le falta esperanza.
Pero al entrar en la oscuridad, más y más.
Hay que escuchar, recordar, jugar y sentir sin miedo.
Compartir esta experiencia con otras de modo que puedas imaginar nuevas formas, imágenes, colores, ritmos,
tiempos y sonidos porque finalmente son tuyos.
Y cuando vuelvas a contar la historia, no olvides que no hay un solo formato.
No hay una sola manera de absorberla porque como dice otra gran artista:

“Hay una vitalidad, una fuerza interior, una energía que se traduce dentro de ti en acción,
y porque sólo hay uno como tú en esta vida, esa acción se convierte en única.
Y si la bloquea, nunca más volverá a existir a través de ningún otro medio, y se perderá para siempre.” 1

Estamos felices de presentar la primera obra de avis lumbre, por invitación de La Papeleria.
El colectivo trabaja concretamente en las paredes del espacio, creando una intalacion específica del sitio que nos
recuerda lo ilimitado del cine y la creación de imágenes. Para repensar cuándo y dónde y por cuánto tiempo vuelve a aperece una película y si alguna vez se detiene.


- La Papeleria


1. Martha Graham

avis lumbre es un colectivo de cine conformado actualmente por Sofía Blanco (San José, Costa Rica, 1995), María Paz Correa (Bogotá, Colombia, 1988) y Andrea Sánchez (La Habana, Cuba, 1994) fundado en Madrid en el año 2023. Con visión circular / revelar el espacio inicia la actividad del colectivo.






película 16mm,
color, 3’, bucle,
silente,
lente fresnel

2023

plástico 360mm,
cortinas, película Super-8,
b/n y color, 5’23’’
2023

fotos y documentación por Maru Serrano


ATAR A LA RATA
Javier Téllez
23.02.23-18.03.23

ATAR A LA RATA es un homenaje a Francisco Valero La Cruz, un artista venezolano injustamenteolvidado en las historiografías del arte europeo y latinoamericano. Es imposible encontrar referencias a sutrabajo en ninguna de las revisiones que se han hecho sobre el arte de la década del sesenta, apenas unabreve entrada lo recuerda hoy en el diccionario de Artes Visuales de su país natal. Valero La Cruz nació en1933 en Mérida, Venezuela. Vivió en Madrid desde 1955 hasta 1962, y luego se residenció en París. Se dioa conocer por una serie de happenings que incluían ratas vivas, y eventos de carácter subversivo quefrecuentemente le ocasionaron problemas con las autoridades. Entre los que se incluyen una marcha delimpiabotas en Madrid y la ocupación abrupta de una galería de arte por clochards en París.   La instalación Bonjour Monsieur Valero La Cruz y el film de 16mm que he titulado con el palíndromoATAR A LA RATA, aluden específicamente al happening sin título que Valero La Cruz realizó el 16 dejunio de 1962 en la XXXI Bienal de Venecia, donde arrojó ratas vivas a los pies de Antonio Segni, elpresidente de Italia. Para realizar esta acción, que se atribuye erróneamente al artista argentino AlbertoGreco, Valero La Cruz se hizo pasar por fotógrafo de prensa portando una acreditación falsa para poderasistir a la inauguración oficial de la bienal e introducir seis ratas vivas escondidas en estuches de cueropara cámaras fotográficas. Durante la ceremonia de inauguración, Valero La Cruz soltó las ratas vivas queestaban pintadas de colores metálicos cerca del presidente, mientras gritaba consignas contra el mercadodel arte y la banalidad de las obras expuestas en la bienal. Valero La Cruz fue inmediatamente arrestado einterrogado por la policía, siendo luego deportado de Italia como consecuencia de su intervención artística.   Un año antes, en febrero de 1961, Valero La Cruz había inaugurado una controversial exhibición tituladaRatas en la librería Fernando Fe en Madrid, un espacio importante de la escena artística madrileña de esemomento. La muestra presentada por el crítico de arte español José María Moreno Galván estabaconformada por una docena de pinturas abstractas de carácter informal, en las que el artista había pegadocadáveres de ratas. Las pinturas que eran presentadas al público como “temas vendibles” y tenían títuloshumorísticos como Rata en órbita, Rata invisible burguesa o Rata fatalista, realizaban una crítica incisiva la instrumentalización comercial y política del arte abstracto, mostrando una visión absolutamente inéditadentro del panorama del arte español durante la dictadura franquista, dominado entonces por la abstraccióngestual.   La influencia de la obra de Valero La Cruz sobre sus contemporáneos amerita ser estudiada hoy.Happenings y eventos como El homenaje a la necrofilia de Carlos Contramaestre con el grupo “El techo dela ballena” en Venezuela (noviembre 1962), los vito-ditos de Alberto Greco (1962-1963) y otras accionesneovanguardistas de principios de los sesenta parecen hacer eco inmediato de las acciones de Valero LaCruz.   La pionera obra del artista venezolano era heredera, al igual que la de sus colegas, del espíritu transgresorde Alfred Jarry, el dadaísmo y otros movimientos de la vanguardia, pero en su caso la puesta en cuestióndel concepto del arte era también consecuencia de un profundo interés por su interes por las filosofias no occidentales que lo llevarían a realizar un viaje a la India, finales de la década de los cincuenta. El carácter radical de la obra breve pero intensa de Valero La Cruz podría situarse en los inicios de lo que se llamará posteriormente crítica institucional. Valero La Cruz se vale de la ironía para realizar una crítica mordaz a los sistemas de distribución y consumo del objeto artístico. Durante su carrera se mantuvo completamente al margen de la comercialización e institucionalización del arte, y dedicó toda su obra a atacar fervientemente los principios que sustentan la institución artística. No debe sorprendernos entonces el silencio que ocurre aún en torno a su obra y a su persona. Valero La Cruz constituye hoy un gran enigma dentro de la historia del arte del siglo XX. No sabemos el paradero actual del artista ni si continua aún con vida, sus rastros desaparecen con el siglo. Francisco Valero La Cruz parece ejemplificar el célebre dictum de Marcel Duchamp: El gran artista del futuro pasará a la clandestinidad.
-Javier Téllez

Javier Téllez (Valencia,Venezuela); vive y trabaja en Nueva York.




1. Bonjour Monsieur Valero La Cruz, 2023

Bonjour Monsieur Valero La Cruz
Impresión fotográfica montada sobre aluminio dibon.
144 x 100 cm
2023

Palíndromo.
Metacrilato, aluminio y neon.
32 cm x 265 x 12cm
2023

Las Ratas 
Dianas abatibles de metal, estuches de cuero para cámaras fotográficas y DM.
24cm x120 diámetro
2023

Atar a la rata
Proyección Película de 16mm en bucle, duración: 40 segundos,  cortina velour.
Edición 1/5 plus 1 A/P
2023

2. Francisco Valero La Cruz

Reproducción del catalogo de la exposición de Francisco Valero La Cruz Ratas en la galería Fernando Fe, 19 de febrero 1962.
50 x 26cm
26 x 50cm
2023

Autor desconocido.
Fotografías documentando el happening de Francisco Valero La Cruz Parir el arte Latinoamericano. Paris, 1962.
27 x 42 cm
27 x 42cm
27.5 x 42cm
26 x 42cm
2023


fotos por Maru Serrano


desde
Alba Lorente Hernandez
14.01.23-29.01.23

DESDE
1. Indica el punto de origen o procedencia de algo o el punto a partir del cual hay que empezar a contar algo; se puede referir tanto al tiempo
como al espacio.
2. Para introducir la perspectiva, el enfoque, el aspecto o la opinión que se expresan.
3. Se expresa con ella el lugar o tiempo en que se empieza algo: pinta una raya desde aquí hasta allí; desde el 1 de enero no ha fumado nada.

En desde, Alba nos expone una diapositiva de la constante evolución de sus formas: composiciones y constantes desmaterializaciones que la llevan a lidiar con la resistencia física que los materiales de sus obras aportan. Los soportes sobre los cuales presenta su discurso no son más que íntimos recuerdos de un movimiento. Las trazas que produce hilan su trayectoria artística. En una de las instancias que forman esta exposición, Alba ha expuesto su proceso públicamente: lo que queda atrás no se oculta ni se intenta olvidar. Al abrir su propia labor al azar del otro, Alba expande sobre la destrucción de formas y materiales que distingue la infuencia del manifesto de Arte Destructivo (Buenos Aires, 1960) para empezar a liberar no solamente la obra si no a la artista misma. Asimismo, se replantea la función y el rol del espacio expositivo, rompiendo algunas reglas y con su propia relación con la práctica artística.

Después de haber abierto el espacio expositivo el pasado mes de diciembre a un público invitado, Alba (des)compone las imágenes
producidas, tanto las más abiertas como las más privadas.


Texto por Carmen Rotger Ordoñez
Hay un secreto, dice Alba. Antes de eso, habla de dos trípticos: tres partes de la exposición, tres partes del texto. El textual ya lo veis, es est hoja. Respecto del otro: La última parte abarca las dos primeras. Por lo tanto hablaríamos de tres círculos, sí, pero uno de ellos, el que se llama “exposición final”, abarca los otros dos. Por lo tanto hay una parte enorme, contentiva, y dos partes más, la suya y la nuestra, que son los círculos que la exposición contiene. Dice que todo trata el proceso, que va de mostrar el proceso, por eso el vídeo es la obra fnal. En la obra fnal se muestra cómo hicimos para sentir lo que ella suele sentir. Quién sabe si lo conseguimos. Aquí queda el resultado de aquello, y de otras muchas variables. Y lo más importante: aunque haya un circo de círculos, no todo se enseña. [Hay un secreto, porque ese es el juego]. Y precisamente: porque está lo que se ve, también está lo que se oculta.

Texto por Maria Paz Correa
Preparar el espacio para que algo suceda. Lo que sucede tiene unos límites simples a partir de los cuales los objetos serán reconfgurados,
alterados. Y esa acción en ese espacio tiene un eco en otro tiempo. Y todo lo que sucede, se fragmenta, se replica pero no se desecha. Alba, Maureen y Andrea ponen una cantidad de energía y tiempo para convertirse en parte de esa acción destructiva, de la que quedará una huella, susceptible a transformarse. Entonces, toman un lugar en ese proceso, liberan lo que haga falta y se disuelven. Quedan las cosas transformadas. Queda el lugar de la acción y su resonancia.

diseño sonoro por Óscar Escudero

Alba Lorente Hernández (Zaragoza, 1994); vive y trabaja en Madrid




Desde
Tinta china sobre contrachapado
70 x 50 cm
2022

Desde II
Tinta china sobre contrachapado
70 x 50 cm
2022

Desde III

Tinta china sobre contrachapado
70 x 50 cm
2022

Desde IV
Tinta china sobre contrachapado
70 x 50 cm
2022


DESDE
video color
 0:31:48
Banda sonora y diseño y producción digital Oscar Escudero
2023


fotos por Maru Serrano


difuso y no de oro
Antonio Menchen
19.11.22- 19.12.22

Antonio ha desnudado el espacio hasta el punto de que la instalación cinematográfca no se da del todo por las proyecciones, sino por lo que está latente, lo que falta: el pasado del espacio que se proyecta hacia una ilimitada reinterpretación de la imagen. Menchen abstrae la imagen hasta que desaparece: lo que nos ofrece es la estructura de un imaginario para defnir. Así entonces, es posible sumergirnos en una imagen que ya no existe, sino que se devuelve siempre a sí misma, muta y se desvanece. La imagen se regenera constantemente y se expon a los elementos que la acompañan en el espacio: una imagen vulnerable pero frme. En difuso y no de oro Antonio acentúa su proceso de continuo encuentro de imágenes que nos devuelve y que nos presenta: aquí la imagen no está fjada en ningún soporte, ésta es la imagen.
 
Entendidas como organismos activos, las imágenes diversas con las que trabajo; conforman una plataforma para investigar la relación entre montaje, representación y construcción. Bajo estos parámetros, realizo piezas de naturaleza mixta donde el cine, sus técnicas de representación y la confguración de espacios de proyección ocupan un lugar destacado. El uso deconstructivo de la imagen me permit montar y desmontar protocolos de representación y a la vez analizar la construcción y reconfguración de toda ficción.
 
Antonio Menchen (Toledo, 1983); vive y trabaja entre Madrid y Paris.
Ha expuesto de manera individual en 2021 en el espacio de proyectos de la galería Luis Adelantado de Valencia con una muestra que llevaba por título el ojo es el primer círculo. En 2019 también mostró su trabajo de manera individual en la exposición negro fondo ultraterreno en Bulegoa z/b en Bilbao. Ha participado de las exposiciones, Mikel Escobales, Asier Mendizabal, Antonio Menchen (Salón Madrid, 2022) Descripción de un estado físico (Elba Benítez-Schneider Colao, Madrid 2021); Laberinto del ramaje (Galería Marta Cervera, Madrid 2021); En tanto hay tacto (Sant Andreu Contemporani, Barcelona 2019), Mitos del futuro próximo (TEA, Tenerife 2019), Barru, barren, barrene (Harriak-EREMUAK, Arriarán y Güeñes 2019), Recorda el foc d ́agost (Fabra i Coats, Barcelona 2019); Distancias elásticas (Centro Párraga, Murcia 2019); Querer parcer noche (CA2M, Móstoles, 2018); o Sala de Lectura (Espacio F, Madrid 2005).

Terminó sus estudios de Bellas Artes en Madrid en 2007, completando su formación en el departamento de cine de la Akademie de Bildenden Künste de Viena en 2012 y posteriormente con un master en el Goldsmiths College de Londres en 2014.



Untitled
16mm colour film
2021
cortesia del artista y de la Galería Marta Cervera

fotos por Maru Serrano


Plaza Nelson Mandela
Maureen Muse
15.9.2022



Plaza Nelson Mandela sintetiza la más reciente exploración artístico- visual de la artista. A través de una reflexión poético-formal de los 16 mm, Maureen propone crear una experiencia visual donde el movimiento rotatorio de la imagen se reproduce tanto durante el rodaje cuanto en la instalación. La obra se plantea como una exploración cinematográfica desarrollada mediante una constante evolución: a partir de momentos concretos grabados durante el primer capítulo, los siguiente cuatro se desarrollan bajo la dirección de la artista que toma dos caminos principales: por una parte se invitan a artistas a interactuar con el movimiento de la cámara; por el otro el azar juega un rol de selección de los personajes que atraviesan la imagen. Todos los capítulos son grabados en espacios públicos en Madrid, y la pieza toma su nombre de su lugar de incepción, Plaza Nelson Mandela en Lavapiés. Tomando como punto de partida la memoria de cada capítulo anterior, Plaza Nelson Mandela se articula de forma orgánica y subjetiva. Se presenta durante el recorrido OFF de Proyector la primera iteración de Plaza Nelson Mandela dado que se propone como obra en constante evolución.

Maureen Muse (Boston, 1993); vive y trabaja en Madrid

Curador: Andrea Fontana


Plaza Nelson Mandela
16mm colour film  
color, giratutto base
en bucle
2022-

fotos por Ruben Ojeda